Как называется однотонная монохромная живопись
Монохромия в живописи: почему художник отказывается от цветов?
К огда мы смотрим на произведения ликующего Рембрандта, откровенно-беспощадного Караваджо, нас увлекает не только харизма мастеров и круг сюжетов. Сама их живопись, насыщенная и густая по своей колористической мощи, напоминает вкус терпкого, выдержанного вина с ярким бликом, случайно упавшим на дно бокала. Контрастные тени и таинственный свет, играющие на лицах, предметах завораживают, словно окуная зрителя в другое измерение. А интрига заключается в том, что письмо художников практически монохромно. Сдержанные, приглушенные цвета, богатство тональных переходов и близких по цвету оттенков, бурная игра светотени – заставляют нас чувствовать нечто большее.
По мнению древних японских художников, монохромия в живописи – это не прихоть мастера, а осознанный шаг к развитию «внутреннего зрения». Не явное, а утаенное открывается в картине, настраивая созерцателя на духовные переживания.
Цвет или монохромия?
Неужели цветная картина неспособна вызвать в человеке глубокие мысли, переживания? Способна! И вызывает. Но однотонная монохромная живопись отвлекает взгляд от наносного, яркого, кричащего. Дает возможность увидеть не сам предмет, а его суть. Цвет же провоцирует на эмоции, эгоистично заостряя внимание на себе, часто ломает форму, которую художник хотел особенно выделить, искажает смысл, делает незаметнее технические приемы.
История развития монохромной живописи
Для мирового искусства одноцветная живопись давно являлась частью познания мира, своеобразным диалогом художника с природным началом, бесконечной вселенной. Безмятежность, спокойствие несет в себе письмо тушью и водой древних китайских и японских художественных школ. И почти во всех случаях символичность, недосказанность. Монохромная живопись суйбоку (или суми-э), датируемая в Китае в X-XIII вв., пришла в японскую культуру к XIV веку. Со всей своей лаконичностью, изящностью гибких линий и мягких, тональных пятен размытой туши на белом фоне – одноцветное, но необыкновенно выразительное искусство несло глубокий философский подтекст.
Экзальтированная, подверженная трагическому мистицизму европейская живопись барокко XVII века была особенно близка к технике монохромной живописи. Свидетельством этому творчество:
С начала XX века – переворот во всем мировом искусстве. От глубокого разочарования и презрения опыта прошлых поколений мастеров, бегства в беспредметность к новой изобразительной эстетике. И вновь художник обращается к монохромии в живописи, отрешенной от реального мира и сосредоточенной на внутренних переживаниях и глубоких убеждениях. Супрематическая философия Казимира Малевича рождает на свет знаковый черный квадрат на белом, а дальше больше: его белые геометрические фигуры тают на светлом фоне холста, утверждая движение чистоты, «беспредметную белую природу» как «высшую ступень созерцательного состояния».
В «голубом» и «розовом» периодах творчества Пабло Пикассо мы словно кожей ощущаем переход от щемящего отчаяния холодных серо-синих оттенков к мягкой теплоте кораллово-бежевых гамм. А между этими двумя периодами – символично появляется «Девочка на шаре», балансируя между счастьем и болью, жизнью и небытием, светом и тьмой.
*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.
Монохромная живопись: особенности, примеры
Художники уже давно отметили, что цвет можно использовать для того, чтобы вызывать сильные эмоциональные реакции у людей. Таких художников, как Ван Гог, это побудило на создание шедевров, наполненных множеством цветов. Однако другие художники думают иначе. Они стремятся создать шедевр, используя только один цвет.
Определение
Монохромная живопись – произведения искусства, написанные при помощи только одного цвета. На самом деле слово «монохром» буквально означает «один цвет». Это другой подход к искусству, однако, он используется гораздо шире, чем думает большинство людей.
Техника
Как создается картина, если используется только один цвет? Ключом к этому является то, что, например, синий и зеленый – это разные цвета, но темно-синий и голубой не являются разными; это только оттенки одного цвета. В базовый цвет можно добавить белый, делая его светлее. Теоретически это можно продолжать делать до достижения почти чистого белого. В то же время цвет может быть затемнен добавлением черного. Таким образом, художники могут нарисовать целый образ, состоящий из линий, элементов и фигур в разных оттенках, которые технически представляют собой живопись одним цветом.
Почему используется монохромная техника рисования
Художники знают, насколько глубоко цвет отражается в человеческих эмоциях. Монохроматические картины стали мощными способами спровоцировать глубокий личный опыт, еще больше побуждая художников исследовать эмоции и духовность через монохромное искусство.
Художники уменьшают свою цветовую палитру по многим причинам, но в основном это является способом сосредоточить внимание зрителя на конкретном предмете, концепции или технике. Без всех сложностей работы в цвете появляется возможность поэкспериментировать с формой, текстурой, символическим смыслом.
Монохромная живопись в черном, белом и сером цвете носит также название гризайль.
Развитие направления
Самые ранние сохранившиеся произведения западного искусства, сделанные в гризайле, были созданы в средние века. Они были предназначены для того, чтобы устранить все, что может отвлекать, и сосредоточить ум. Поскольку цвет пронизывает повседневную жизнь, черно-белый может сигнализировать о переходе в потусторонний мир или иметь духовный контекст.
Для некоторых цвет был запретным плодом и запрещен религиозными орденами, практикующими форму эстетического аскетизма. Например, витраж в технике гризайль был создан цистерцианскими монахами в 12-м веке в качестве альтернативы ярким церковным окнам, с его полупрозрачными сероватыми панелями, с изображениями, иногда окрашенными в черный и желтый цвет. Легкая и элегантная внешность, стеклянная решетка окна завоевала популярность за пределами ордена и в конечном итоге стала образцом во многих французских церквях.
Исследования света и тени
С 15-го века художники рисовали в черно-белой манере, чтобы справиться с проблемами, которые были поставлены изображаемыми предметами и композициями. Устранение цвета позволяет художникам сосредоточиться на том, как свет и тень падают на поверхность фигуры, объекта или сцены, прежде чем переходить на полноцветный холст.
Картины в технике гризайль
Все чаще картины в гризайле стали появляться как самостоятельные произведения искусства.
Картина Ян Ван Эйка «Святая Варвара» (1437 г., Королевский музей изящных искусств Антверпен) является самым ранним известным примером монохромной работы на панели, нарисованной индийскими чернилами и маслом.
На протяжении столетий художники бросали вызов сами себе, пытаясь имитировать внешний вид каменной скульптуры в живописи. В Северной Европе был вкус к иллюзорным декоративным элементам, таким как декоративная настенная роспись и скульптурная штукатурка. Наибольшего успеха в этой практике достиг художник Якоб де Вит. Его работы легко можно было принять за трехмерный рельеф стены.
Абстракция
Художники-абстракционисты часто обращаются к монохромной живописи. Когда художники имеют доступ ко всем возможным оттенкам, отсутствие цвета может быть тем более шокирующим или заставляющим задуматься. В 1915 году киевский художник Казимир Малевич написал первую версию своей революционной работы «Черный квадрат» и объявил, что это начало нового вида нерепрезентативного искусства. Работы Йозефа Альберса, Эллсуорта Келли, Фрэнка Стеллы и Сай Тумбли иллюстрируют использование минимального цвета для максимального воздействия.
Художники, заинтригованные теорией цвета и психологическими эффектами цвета (или его отсутствия), манипулируют светом, пространством и оттенком, чтобы вызвать конкретный отклик у зрителя.
Тушь в живописи
Такой вид искусства позволяет художнику создавать ярко выраженные области контраста. В большинстве случаев рисование тушью представляет собой нанесение черных чернил на белую поверхность, что приводит к созданию такого контраста. Для создания необходимых переходов при затенении используется метод нанесения нескольких слоев. К таким методам относятся, например, различные виды штриховки.
Монохромная живопись Японии
Этот вид искусства пришел из Китая. Именно в этом культурном, философском и художественном контексте родилась монохромная живопись.
Из всех искусств в Китае картина является самой важной, она раскрывает тайну Вселенной. Она основана на фундаментальной философии, даосизме, в котором излагаются четкие концепции космологии, судьбы человека и отношений между человеком и Вселенной.
Живопись — это применение этой философии, поскольку она проникает в тайны Вселенной.
В традиционной китайской живописи есть четыре основных предмета, которые в японской живописи принципиально одинаковы: пейзажи, портреты, птицы и животные, цветы и деревья.
В Японии в эпоху Камакура (1192-1333 гг.) власть была захвачена воинами (самураями). В эту эпоху благодаря паломничеству монахов в Китай и их торговле там, в Японию привезли большое количество картин. Этот факт сильно повлиял на художников, которые работали в храмах, где работы заказывали покровители и коллекционеры искусства (сегуны).
Импорт не только вдохновил изменения в предметах живописи, но и способствовал инновационному использованию цвета: ямато-э (живопись на длинных свитках 9-10-й вв.) была заменена китайской монохромной техникой.
Потрясающие работы великих буддийских мастеров и живописцев династий Тан и Сун, картины, написанные черной китайской тушью, в Японии получили название суйбоку-га или суми-э (конец 13-го века). Этот стиль живописи первоначально был монополизирован дзэн-буддистами, а затем был принят монахами и художниками, пропитанными этим духом, и в течение долгого времени живопись черной тушьюи и картины Дзэн (Зенга) была практически неразделимой.
Величайшим суми-мастером этого периода является Сесшу Тойо(1420-1506 гг.), монах из Киото, который изучал живопись тушью в Китае. Сесшу был единственным художником, который ассимилировал философскую основу такого рода живописи и воплотил ее с оригинальным духом в японские темы и художественный язык, а также в отношении пространственных представлений китайских художников того времени.
Монохромное искусство. Самые дорогие однотонные картины
«Вуаль», Ширазе Хаушиари
Источник фото
Ширазе Хаушиари — иранская художница. Ее работы сегодня можно увидеть в самых известных галереях мира, в том числе в Музее современного искусства в Нью-Йорке. «Вуаль» она написала в 1999 году. На первый взгляд полотно кажется просто неравномерно окрашенным черным квадратом. На самом деле художница покрывала холст черным с помощью графита, а затем писала на нем суфийские фразы по-арабски. Но даже с близкого расстояния их практически невозможно рассмотреть. По мнению самой Ширазе, это автопортрет. Критики считают ее работу чем-то средним между живописью и графикой.
«Монохромная белая картина», Ли Юань Чиа
Источник фото
Ли Юань Чиа — один из самых известных китайских художников XX века. Он работал в сфере живописи, скульптуры и мебели. Свою «Монохромную белую картину» он создал в 1963 году. На первый взгляд она представляет собой чистую белую поверхность. Однако, если приглядеться, можно разглядеть нюансы.
В частности на холсте расположены четыре картонных круга. Два больших находятся слева, а два маленьких – ближе к центру. Круги, разумеется, покрыты той же белой краской, что и вся остальная поверхность картины. Чиа описал эти круги как «космические точки». Художник считал их началом и концом всего сущего. А также был уверен, что они свзаны с положением вещей в безграничном пространстве Вселенной.
«Суррогатные картины», Аллан Макколлум
Цена: 125 тыс. евро
Источник фото
Американский художник Алан Макколум — видная фигура направления «Концептуализм». Его «Суррогатные картины» выглядят картинами в рамках только на первый взгляд. На самом деле это гипсовые слепки, которые разрисовали так, чтобы они выглядели картинами. По сути он свел картины к общей форме и наладил их производство. Массовое, но, справедливости ради, ручное.
То есть картина внутри каждой «рамы» — совершенно безликая и не несет след руки художника. Но при этом вы не найдете двух одинаковых «суррогатов». По словам художника, «Суррогатные картины» – это мост между искусством и автоматизацией.
«Кроваво-красное зеркало», Герхард Рихтер
Источник фото
Немецкий художник Герхард Рихтер — фигура знаковая. Он стоял у истоков зарождения направления капиталистического реализма. Его произведения включены в собрания крупнейших музеев Европы. В 2005 году он занимал 1-е место в ежегодном списке журнала «Капитал» — самые дорогие и успешные мастера современной немецкой живописи. Художник разработал витраж для Кельнского собора. А его картины варьируются от детализированных, почти фотореалистичных портретов до совершенно однотонных полотен.
В 1970-х он даже создал одноименную серию. Все картины из нее были монохромными серыми прямоугольниками. «Серый. Он не делает никаких заявлений. Не пробуждает ни чувств, ни ассоциаций. Он невидим и не невидим. Для меня серый — единственный эквивалент беспристрастности, безоружности, беспечности, отсутствия формы», — говорил художник.
Одна из самых известных работ художника – «Кроваво-красное зеркало» — действительно представляет собой зеркало, закрашенное красной краской. Интересно, что в нем можно увидеть?
«Абстрактная живопись», Эд Рейнхардт
Источник фото
Эд Рейнхардт — один из крупнейших американских художников-авангардистов. Изначально он был сторонником подсознательного применения цветов и форм. В сороковых годах прошлого столетия он изменил свой стиль и начал писать одноцветные картины.За последние 10 лет своей жизни он создал лишь серию квадратных холстов, полностью окрашенных в черный цвет.
На первый взгляд, они могут показаться совершенно безликие. Но между каждой картиной есть тонкие различия, на обнаружение которых могут уйти часы, а то и дни. Впрочем, когда эти творения Рейнхардта впервые были показаны в Музее современного искусства в Нью-Йорке, один посетитель отменил свое членство в знак протеста.
«Безымянный синий монохром», Ив Кляйн
Источник фото
Французский художник-новатор Ив Кляйн — одна из наиболее значительных фигур послевоенного европейского искусства. Всего одним цветом он изменил ход развития искусства. Расширил рамки того, что принято называть живописью, и открыл дорогу новым течениям и видам искусства: концептуализму, минимализму и перформансу.
Однажды лежа на пляже со своими друзьями, Ив «написал» свое имя на голубом безоблачном небе. «В тот день, лежа на пляже Ниццы, я почувствовал ненависть к птицам, которые летали туда-сюда по моему голубому, безоблачному небу, потому что они пытались проделать дырки в моей величайшей и самой прекрасной работе», — позже рассказал он.
А потом творец создал и запатентовал собственную версию ультрамарина International Klein Blue или IKB. И написал им «Безымянный синий монохром». В общем, если вы хотите на самом деле узнать, что такое «цвет настроения синий», вам к Иву Кляйну.
«Ахром», Пьеро Мандзони
Источник фото
Пьеро Манцони известен своим ироничным отношением к искусству. Его величайшая работа называлась «Дерьмо художника» — девяносто банок, наполненных экскрементами художника. Каждая банка продана за золото аналогичного веса. Помимо этого художник расписывался на телах добровольцев и выдавал им сертификат подлинности, раздавал посетителям выставки вареные яйца с отпечатком собственного пальца и делал еще множество вещей, которые были в лучшем случае эксцентричными.Впрочем, у него были и более традиционные работы.
«Ахромы» — серия монохромных картин, которые изготавливались путем помещения холста в жидкий каолин. Полное отсутствие цвета должно было сосредоточить внимание зрителя на материальных качествах объекта. Морщины и складки возникали в процессе изготовления и сушки холста, и к ним не прикасалась рука художника. Ближе к концу серии Манцони перестал использовать холст и начал использовать хлопок, акриловую смолу, стекловолокно и раскрашенные булочки.
«Картина Дилана», Брайс Марден
Источник фото
Брайс Марден — американский художник-минималист. «Картину Дилана» он написал в 1966 году. Она была названа в честь друга Мардена Боба Дилана. Художник создавал ее, чтобы помочь карьере певца. Однако, к тому времени, как работа была завершена, Дилан, будущий лауреат Нобелевской премии по литературе, уже был более известен, чем Марден.
Холст был покрыт смесью, созданной из скипидара и пчелиного воска, в которую был добавлен серый цвет. Затем художник использовал лопаточку, чтобы выровнять поверхность. В нижней части картины осталась полоса некрашеного холста.
«Белая серия картин», Роберт Раушенберг
Источник фото
Американский художник, представитель абстрактного экспрессионизма, а затем концептуального искусства и поп-арта, стоял у истоков создания модульного искусства, является создателем направления комбинированной живописи. В своих работах тяготел к технике коллажа и редимейда. В своих работах использовал мусор и различные отходы.
Что касается «Белой серии», то пять картин из нее представляют собой набор из 1, 2, 3, 4 или 7 одинаковых белых полотен, вывешенных вместе. Когда они впервые были представлены публике, то выглядели как дешевый трюк, а теперь белые картины Раушенберга можно найти в галереях по всему миру.
К слову, Раушенберг был другом композитора Джона Кейджа, который написал музыкальное произведение под названием «4’33». Во время его исполнения пианист или другой инструментальный исполнитель должен сидеть молча в течение 4 минут и 33 секунд. В результате публика слышит только звуки окружающей среды. Может быть, это идеальный аккомпанемент для этих картин.
Монохромная картина был важным компонентом авангард изобразительное искусство на протяжении 20-го и 21-го веков. Художники исследовали один цвет, исследуя изменение значений на поверхности, текстуре и нюансах, выражая самые разные эмоции, намерения и значения во многих различных формах. [1] От геометрической точности до экспрессионизма, монохромность оказалась прочной идиомой в Современное искусство. [2]
Содержание
Происхождение
Жан Метцингер, следуя Скандальный успех создан из Кубист показ в 1911 году Салон независимых, в интервью Сириллу Бергеру, опубликованному в Париж-Журнал 29 мая 1911 г. заявил:
Дерзкое предсказание Метцингера о том, что художники воспримут абстракция до своего логического завершения, полностью отбросив репрезентативный предмет и вернувшись к тому, что Метцингер называет «изначальным белым единством», «полностью белый холст» будет реализован два года спустя. Автор сатирического манифеста под названием Manifeste de l’école amorphiste, опубликовано в Les Hommes du Jour (3 мая 1913 г.), возможно, имел в виду видение Метцингера, когда автор оправдывал чистые холсты аморфизма, утверждая, что «нам достаточно света». [4] [5] [6] С точки зрения перспективы, пишет историк искусства Джеффри С. Вайс «Vers Amorphisme может быть тарабарщиной, но этого также было достаточно основополагающего языка, чтобы предвидеть крайние редукционистские последствия необъективности «. [7]
В широком и общем смысле европейские корни минимализма можно найти в геометрические абстракции художников, связанных с Баухаус, в произведениях Казимир Малевич, Пит Мондриан и другие художники, связанные с Де Стейл движение, и Русский конструктивист движение, и в работе румынского скульптора Константин Брынкуши. [8] [9] Минимальное искусство также частично вдохновлено картинами Барнетт Ньюман, Ад Рейнхардт, Йозеф Альберс, и работы художников столь же разнообразны, как Пабло Пикассо, Марсель Дюшан, Джорджио Моранди, и другие. Минимализм также была реакцией на живописную субъективность Абстрактный экспрессионизм это было доминирующим в Нью-Йоркская школа в течение 1940-х и 1950-х годов. [10]
Широкий спектр возможностей (в том числе невозможность) интерпретации монохромных картин, возможно, является причиной того, почему монохромные изображения так привлекают многих художников, критиков и писателей. Хотя монохромный никогда не становился доминирующим, и лишь немногие художники посвятили себя исключительно ему, он никогда не исчезал. Он снова появляется, как будто призрак преследует высокий модернизм, или как его символ, появляющийся во времена эстетический и социально-политические потрясения. [11]
Супрематизм и конструктивизм
Монохромная живопись в современном понимании началась в Москва, с Супрематическая композиция: белое на белом [13] 1918 г. Супрематист художник Казимир Малевич. Это была вариация или продолжение его работы 1915 года. Черный квадрат на белом поле, очень важная работа сама по себе для 20-го века геометрическая абстракция.
В то время как Родченко задумал свой монохромный рисунок как демонтаж типичных представлений живописи, Малевич видел в своей работе концентрацию на них, своего рода размышление над сущностью искусства («чистое чувство»).
Художники
Нью-Йорк
Абстрактные экспрессионисты
Цветовое поле
Начиная с 1950-х и 1960-х годов несколько абстрактных экспрессионистов / цветное поле художники (а именно: Барнетт Ньюман, Марк Ротко, Роберт Мазервелл, Адольф Готтлиб, Теодорос Стамос, Сэм Фрэнсис, Людвиг Сандер, Клиффорд Стилл, Жюль Олицкии др.) исследовали мотивы, которые, казалось, подразумевали монохромность, используя широкие плоские поля цвета в крупномасштабных изображениях, которые оказали большое влияние на новые стили, такие как пост-живописная абстракция, лирическая абстракция и минимализм.
Одна из почти монохромных картин Барнетта Ньюмана вызвала возмущение и повсеместные насмешки (и дискуссии) в Канада когда Национальная галерея куплен Голос Огня за крупную сумму денег, в 1980-е гг. Другой из Барнетт НьюманОчень разреженный (хотя технически не монохромный) геометрические абстракции был зарезан ножом разъяренным зрителем в 1980-х на Stedelijk Museum в Амстердам.
Лирическая абстракция
Лирический абстракционист художники, такие как Рональд Дэвис, Ларри Пунс, Уолтер Дарби Бэннард, Дэн Кристенсен, Ларри Зокс, Ронни Лэндфилд, Ральф Хамфри, Дэвид Бадд, Дэвид Р. Прентис, Дэвид Диао, Дэвид Новрос, Джейк Бертот и другие также исследовали и работали над сериями фигурных и прямоугольных полотен, приближенных к монохромному, с вариациями, особенно в 1960-х и 1970-х годах.
Формованный холст
С 1960-х годов художники столь же разнообразны, как Фрэнк Стелла, Эллсуорт Келли, Рональд Дэвис, Дэвид Новрос, Поль Могенсен, Патрисия Йохансон и другие писали монохромные картины на полотнах различной формы. Хотя некоторые из их монохромных работ были связаны с минимализмом, ни один из них не был минималистским.
Нео-дада
В начале 1950-х годов Раушенберг (р. 1925, Порт-Артур, Техас, США; ум. 2008) стал известен своими белыми, затем черными, а затем и красными монохромными полотнами. в Белые Картины (1951) Раушенберг наносил повседневную домашнюю краску с помощью малярных валиков для получения гладких «чистых» поверхностей. Белые панели выставлялись отдельно или в модульных группах. В Черные Картины (1951–1953) включили текстуру под окрашенную поверхность в виде коллажированной газеты, что иногда указывает на сетчатую структуру. В Красные Картины (1953–54) включают еще больше материалов, таких как дерево и ткань, под сильно обработанную окрашенную поверхность, и, кажется, предвещают развитие сборки Раушенберга в его «Комбинированных картинах», а также его заявленное намерение действовать в «промежутке» между ». Искусство »и« Жизнь ».
(родился в 1930, Огаста, Джорджия, США) был другом Раушенберга, и обоих часто относили к категории неодадаистов, указывая на их отказ от эстетики абстрактного экспрессионизма, которая доминировала в 1950-х годах. Джонс написал ряд работ, таких как Белый флаг, Зеленая цель, и Танго, в котором есть лишь небольшое указание на изображение, напоминающее Белый квадрат на белом поле Малевича в технике.
Эти работы часто демонстрируют больше свидетельств кисти, чем обычно ассоциируется с монохромной живописью. Многие другие работы также подходят к монохромному, как меланхоличные «серые» работы начала 1960-х, но с добавлением реальных объектов («сборка») или текста.
Минималисты
(1927, Рим, Италия) монотонные картины белого на белом были вариациями на тему с сеткой, прямоугольник на прямоугольник, но были оживлены различиями в ритме и концепции. Одна композиция включала серые сетки и вертикальные прямоугольники в нескольких, более непрозрачных белых тонах, сгруппированных по центру. [17]
(род. 1930, Нэшвилл, Теннесси, США) в таких произведениях, как Леджер (1982) напомните слово «сконструированный», обращая внимание на опоры, обрамление и подпись художника как важные элементы работ, которые обычно белого или не совсем белого цвета и имеют квадратный формат. Абстрактные экспрессионистские мазки используются в качестве формального материала в этих минималистических конструкциях. Райман демонстрирует образец силы вариаций на намеренно ограниченную тему.
(родился в 1934 году, Беркли, Калифорния, США) для него характерно минимализм в том, что его «объекты» не попадают в категорию «живопись» или «скульптура». Известный с 1965 года своими «плитами, колоннами, досками… нейтральными формами», его тщательно обработанные, отполированные монохромные объекты часто просто прислонены к стенам галереи, что некоторые критики называют небрежным «уклоном Западного побережья». Хотя он использует методы, характерные для изготовления досок для серфинга, его работы тщательно и индивидуально создаются вручную, в отличие от работ Джона М. Миллера и других более поздних художников, которые, как правило, производятся на фабрике в соответствии с техническими требованиями художника.
Европа
С 1949 г. Фонтана начали так называемую пространственную концепцию или серию косых черт, состоящую из отверстий или косых черт на поверхности монохромный картины, изображающие знак того, что он назвал «искусством космической эры» (Concetto spaziale (50-B.1), 1950, MNAM, Париж).
Монохромные работы: Голубая эпоха
Хотя Кляйн нарисовал монохромные изображения еще в 1949 году и провел первую частную выставку этой работы в 1950 году, его первой публичной демонстрацией стала публикация картины. книга художника Ив: Peintures в ноябре 1954 года. Пародируя традиционный каталог, книга содержала серию ярких монохромных изображений, связанных с различными городами, в которых он жил в предыдущие годы. Ив: Peintures предвкушал свои первые две выставки картин маслом в Club des Solitaires, Париж, октябрь 1955 г. и Ив: монохромные предложения в галерее Колетт Алленди, февраль 1956 года. Эти выставки, демонстрирующие оранжевые, желтые, красные, розовые и синие монохромные изображения, глубоко разочаровали Кляйна, поскольку люди переходили от живописи к живописи, соединяя их вместе как своего рода мозаику.
На следующей выставке Proposte Monochrome, Epoca Blu (Proposition Monochrome; Blue Epoch) в галерее Apollinaire, Милан (январь 1957 г.) было представлено 11 идентичных синих полотен с использованием ультрамаринового пигмента, суспендированного в синтетической смоле «Rhodopas». Обнаруженный с помощью Эдуарда Адама, парижского торговца красками, эффект заключался в сохранении блеска пигмента, который имел тенденцию становиться тусклым при взвешивании в льняном масле. Позже Кляйн запатентовал этот рецепт, чтобы сохранить «подлинность чистой идеи». [20] Этот цвет, напоминающий лазурит использовался для рисования мантии Мадонны на средневековых картинах, стал известен как ‘Международный Кляйн Блю'(ИКБ). Картины прикрепляли к столбам, расположенным на расстоянии 20 см от стен, чтобы увеличить их пространственную неоднозначность.
Шоу имело успех у критиков и с коммерческой точки зрения, побывав в Париже, Дюссельдорфе и Лондоне. Парижская выставка в Ирис Клерт Галерея, май 1957 года, стала плодотворным событием; [21] Помимо 1001 синих воздушных шаров, выпущенных в ознаменование открытия, были разосланы синие открытки с использованием марок IKB, которые Кляйн подкупил почтовую службу, чтобы они были признаны законными. [22] Параллельно в галерее Collette Allendy прошла выставка ванн с синим пигментом и огненных картин.
Другие
(родился в 1918 году, Вашингтон, округ Колумбия, США) был членом TAOS Transcendental Painting Group в 1930-х годах, в настоящее время проживает в Альбукерке, Нью-Мексико. Ее квадратные монохромы, сделанные из полупрозрачной смолы, налитой на зеркальное оргстекло, кажутся светящимися сами по себе.
(род. 1958, Невозне, Словакия) со своим «двойным монохромом». Цвет по сравнению с опилками монет, мусора, почвы или мака. Картина Маковое поле / Маковое поле 2001/02. [2]
(род. 1929, США) Марсия Хафиф выставляла монохромные картины более 50 в Нью-Йорке, Лос-Анджелесе и Европе. Создавала монохромные работы маслом, эмалью, яичной темперой, акварелью, глазурью, акрилом, тушью. Ее работы были включены в полугодие 2014 г. Музей Молота где художник выставил 24 монохромных картины, каждая с черным оттенком. [23] [24] [25]
Монохромная живопись в массовой культуре
1998 год Тони награда победа в бродвейском спектакле ‘Изобразительное искусство’ использовал белую монохромную картину в качестве опоры, чтобы вызвать спор об эстетике, которая составила основную часть пьесы.